5/6/2012

Entrevista a Diego Martínez, director del Festival Internacional de Música y Danza de Granada

Después de un parón obligatorio por exámenes, ya estamos aquí de nuevo para traer lo prometido, una entrevista con el actual director del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Diego Martínez, quien acaba de sustituir a Enrique Gámez, el cual estuvo al frente de este festival durante 12 años.

Sólo queda agradecer desde aquí al equipo de prensa y comunicación del Festival y al propio Diego Martínez. Esperemos que lo que nos ha contado Martínez os resulte tan interesante como lo que nos ha parecido a nosotros. ¡Que lo disfrutéis!


ENTREVISTA:

  • ¿Qué cree que es lo más importante de la celebración del Festival Internacional de Música y Danza de Granada?

El Festival de Granada es el festival musical más importante de nuestro país y uno de los tres o cuatro festivales de mayor prestigio europeo. Por tanto, la celebración de este proyecto musical, cada verano en nuestra ciudad, supone una fiesta de la gran música, de las grandes orquestas, de los mejores solistas, grupos de cámara y compañías de ballet. Y todo, además, se celebra en espacios únicos, con una extraordinaria riqueza patrimonial.

  • ¿Considera esta cita como una forma de acercar la música clásica a un público más general y no tan especializado?

El Festival de Granada tiene un público interesante, crítico y con suficiente información y conocimiento. No es un público fácil. Exige lo mejor, desde el punto de vista artístico. Por tanto, el Festival atiende a ese público, que tiene criterios musicales y que, en sus distintas disciplinas artísticas puede entenderse como un público especializado.

  • ¿Cómo afronta esta nueva época en la dirección del Festival? ¿Le gustaría que cambiara algo? En este sentido, ¿qué le parece la decisión de Enrique Gámez de dejar el Festival? ¿Cómo considera su gestión al frente de éste?

Dirigir el Festival de Granada es, en primer lugar, un gran honor. Me siento muy honrado y orgulloso de haber sido nombrado director del Festival tras un proceso de selección como consecuencia de la primera vez que el Consorcio del Festival realiza una convocatoria pública para la designación de este cargo. Al mismo tiempo, es una gran responsabilidad puesto que hablamos del Festival de Granada, de su historia, de su nivel artístico y de la ciudad de Granada.

En cuanto a la segunda pregunta, habrá cambios, sin lugar a dudas, que obedecerán a buscar mejoras en su gestión y programación. Cambios que iremos anunciando en su momento, y que adaptarán el Festival a los nuevos tiempos que se nos avecinan.

En cuanto a mi predecesor, Enrique Gámez, desconozco los motivos por los que tomó la decisión de dejar el Festival y por tanto no puedo opinar sobre ello. La gestión de Enrique ha sido muy interesante, cumpliendo los objetivos del Festival, creando propuestas como las del FEX, que ha extendido el Festival hacia la ciudad y la provincia y, por último, alcanzando niveles artísticos de gran importancia.

  • ¿Qué pasará con el resto de festivales en los que usted tiene algo que ver, tales como el Festival Internacional de Música y Danza “Ciudad de Úbeda”? ¿Seguirá al frente o esta nueva responsabilidad en Granada es demasiado grande como para continuar?

Antes de incorporarme al Festival de Granada, sólo tenía responsabilidad en la dirección del Festival de Úbeda, que fundé y he dirigido desde el año 1989. Aunque la dirección del Festival de Úbeda no creaba ninguna incompatibilidad legal, puesto que el trabajo en esta actividad es altruista, he dimitido en la dirección del Festival de Úbeda desde el pasado día 30 de abril, porque me tengo que dedicar en cuerpo y alma a mi trabajo en Granada.

  • ¿Considera el pasado cultural tan importante que ha tenido Granada como un elemento clave para el éxito que tiene el Festival?

Granada es una ciudad única, en la que su historia, su patrimonio y sus gentes han creado una serie de condiciones especiales para que la cultura, las artes y la música, convivan con normalidad con la propia ciudad. La historia del Festival es impresionante. Creo que esas son las claves que han sido decisivas en el éxito del Festival de Granada, su historia musical, su excelencia artística y, al mismo tiempo, el extraordinario enclave escénico, en el que los espacios forman parte, de una manera especial del éxito de los espectáculos.

  • ¿Cómo se relaciona el Festival con los Cursos Internacionales Manuel de Falla? ¿Cree que los jóvenes que participan podrán tener un futuro cercano como intérpretes en el Festival?

Los Cursos Internacionales Manuel de Falla son parte del Festival. Por tanto, no se trata de que tengan una relación con el Festival, sino que forman parte del mismo. Son ya 43 años de estos Cursos que llevan el nombre del compositor más importante que ha dado la historia de la música en nuestro país y que estuvo íntimamente vinculado a esta ciudad.

En cuanto a su pregunta sobre los jóvenes intérpretes he de decirle que muchos jóvenes que han actuado en programas paralelos o del FEX en el Festival, ahora se han convertido en grandes artistas que vuelven al Festival como figuras protagonistas de su programación. Por tanto, es posible que muchos jóvenes que ahora están iniciándose en la música dentro de unos años estén presentes en el Festival de Granada.

  • ¿Qué opina de los recortes del Gobierno en cultura y educación, aspectos que van de la mano? ¿Cómo está el sector de la música ahora que hay una fuerte crisis económica?

Cuando hoy le estoy contestando a esta pregunta, se ha anunciado por el Secretario de Estado de Cultura que en breves fechas se aprobará el texto de la Ley de Mecenazgo, que considero va a ser una extraordinaria herramienta para que la actividad privada pueda tener un mayor protagonismo en la financiación de proyectos culturales y artísticos. No son buenos tiempos para la lírica, como decía la canción. Pero es el momento de que trabajemos con criterios de austeridad, de contención de los gastos y de una mayor dedicación e imaginación. Todos los que trabajamos en este sector, desde los artistas, a productores y técnicos, debemos de pisar en el suelo y crear condiciones adecuadas para que continúen los proyectos de esta naturaleza.


DOCUMENTACIÓN ADICIONAL:

Ley de Mecenazgo en ABC, La Razón, El País, Público y El Periódico.

6/5/2012

61ª Edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada


Tras 10 años bajo la dirección de Enrique Gámez, el Festival Internacional de Música y Danza de Granada afronta ahora una nueva época. Conocido por ser una las citas musicales más importantes de toda España, falta por ver el camino que tomará el sucesor de Gámez, Diego Martínez, al cual todavía estamos esperando que nos conteste unas cuantas preguntas, que pronto subiremos a MuSicalClas.

En el año 2012, la nueva edición del Festival, la número 61, nos presenta un programa variado y de una muy alta calidad, tal y como nos ya nos tiene acostumbrados. Así pues, podremos disfrutar de La vida breve de Manuel de Falla, del binomio Beethoven-Ligeti, a cargo de la Orquesta y Coro Nacionales de España y Josep Pons; de un repertorio europeo de la mano de Charles Dutoit junto con la Royal Philharmonic Orchestra; de las orquestas Ciudad de Granada, Barroca de Friburgo y Nacional del Capitolio de Toulouse que nos ofrecerán obras sinfónicas y corales que reúnen en un mismo espacio al Romanticismo, a la música rusa del siglo XX y a la vanguardia española...

Además de todo esto, podremos asistir a los conciertos del pianista Javier Perianes, de la violista Tabea Zimmermann, o disfrutar con la danza de Los Ballets de Roland Petit, el Bayerisches Staatsballett, el Birmingham Royal Ballet... En la parte flamenca del Festival, podremos encontrar el recital antológico de Carmen Linares junto con la bailaora Rafaela Carrasco; y, por último, para los más pequeños, el Festival se completará con el espectáculo de la compañía La Maquiné La casa flotante, junto con un espectáculo de títeres y máscaras, Yo soy la locura, de la Compañía Claroscuro.

Como podéis ver, el programa está adecuado a cualquier persona, ya sea por gustos musicales o por edad, de forma que se pueda ir introduciendo a los más pequeños en la celebración de un evento tan especial como este.

Por otro lado, los 43 Cursos Internacionales Manuel de Falla que siempre acompañan al Festival de Granada aportarán tradición y actualidad en los contenidos que van a tratarse, habiendo, por tanto, parte también para la formación y la educación de futuros participantes como músicos o bailarines en el Festival.

Además, el FEX completará el programa con una programación basada en la música de cámara, en la danza contemporánea, en programas didácticos, orquestas, músicas del mundo..., de forma que se pueda producir un diálogo entre los jóvenes talentos y las distintas culturas y generaciones.

Para finalizar, solo queda recomendaros que asistáis a esta cita tan relevante en nuestro país, que se celebrará del 22 de junio al 8 de julio en un entorno maravilloso para disfrutar de la música y la danza, como son los palacios nazaríes de la Alhambra y los Jardines del Generalife, los monumentos renacentistas, barrocos y actuales de la ciudad de Granada, y los municipios que componen la bella provincia andaluza.

Para más información y venta de entradas, consulta la página web oficial del Festival Internacional de Música y Danza de Granada, http://www.granadafestival.org/

3/5/2012

Agenda cultural del Museo Nacional del Romanticismo


Esta vez os traemos un reportaje sobre un museo, el Museo Nacional del Romanticismo, cuya agenda cultural nos ha parecido más que interesante.

Emplazado en el centro de la capital madrileña, el Museo del Romanticismo organiza, aparte de las propias visitas como cualquier otro museo, actividades muy relacionadas con aquello que nos interesa: la música.

Exposiciones, talleres, ciclos... son parte de los proyectos que se están llevando a cabo en la sede del Museo del Romanticismo (C/ San Mateo, 13. 28004 Madrid), pero lo más destacado es el elevado número de conciertos gratuitos que tienen lugar continuamente.

Tenemos la oportunidad de asistir a casi un concierto por semana, en el cual se interpretan obras (no todas ellas románticas) de compositores tan diversos como Mozart, Bach, Dvorak, Schumann, Beethoven, Debussy, Chopin... Esta lista se puede ver ampliada en cada concierto, incluyendo también a compositores españoles, cuya obra se representará, por ejemplo, en el ciclo de Zarzuela propuesto para los meses de abril, mayo y junio.

Además de la variedad y calidad de la música, poder asistir a cualquiera de estas representaciones no es para nada complicado. Simplemente basta con llamar a un número de teléfono (914481045, de lunes a viernes, de 9,30 a 15,00 h.) y reservar plaza, de manera que de forma gratuita y únicamente con este paso, podremos disfrutar de estos eventos fácilmente.

Por último, os dejamos la agenda de conciertos para mayo del Museo del Romanticismo. Para más información, visita su página web, http://museoromanticismo.mcu.es/. ¡Que disfrutéis!

CONCIERTO ESPECIAL DÍA DE EUROPA
X9 de mayo, 19.00 h. Auditorio del Museo del Romanticismo.
Ivan Zenaty (violín) y Stanislav Bogunia (piano), con obras de Dvorak, Smetana o Janacek, entre otras.
Reserva previa → a partir del J3 de mayo para miembros de la Asociación de Amigos, y del V4 de mayo para público general.

CICLO DE ZARZUELA
J10 y J24 de mayo, 19.00 h. Auditorio del Museo del Romanticismo.
Ruth Terán (soprano), Gloria Londoño (soprano), Alejandro González del Cerro (tenor) y Elías Romero (piano), con piezas de dúos de zarzuelas como Los diamantes de la corona, Pan y toros, El huésped del sevillano o Los gavilanes.
Reserva previa:
J10 de mayo → a partir del V4 de mayo para miembros de la Asociación de Amigos; a partir del L7 de mayo para el público general.
J24 de mayo → a partir del V18 de mayo para miembros de la Asociación de Amigos; a partir del L21 de mayo para el público general.

CONCIERTO DE ANA SÁNCHEZ CORTÉS
M29 de mayo, 19.00 h.
Ana Sánchez Cortés (piano), con obras de Bach, Mozart y Schumann, entre otras.
Reserva previa → a partir del X23 de mayo para miembros de la Asociación de Amigos, y del V25 de mayo para público general.

26/4/2012

Entrevista a Andrés Máspero, director del coro del Real


Hoy tenemos el privilegio de presentar otra entrevista, esta vez con el director del coro del Teatro Real de Madrid, el maestro argentino Andrés Máspero, también conocido por su papel como pianista. Tras la presentación de la obra C(H)ŒURS junto con el coreógrafo belga Alain Platel, nos ha respondido a algunas preguntas de carácter general, pero también sobre el propio espectáculo del que ya hablamos anteriormente en MuSicalClas. Esperamos que sea interesante y que nos comentéis qué os ha parecido.


  • ¿Nos puede explicar cómo ha sido su trayectoria musical?

Comencé a estudiar música en mi país, Argentina y terminé en Estados Unidos. Títulos de Profesor de piano, Licenciado en Dirección Orquestal, Master of music y Doctor of musical arts (Catholic University of America). Me inicié en la ópera como Director de coro en el Teatro Argentino de La Plata y luego continúe en la misma actividad en los siguientes teatros: Municipal de Rio de Janeiro, Colón de Buenos Aires, Dallas Oper, Summer Opera Company de Washington, Liceo de Barcelona, Oper Frankfurt, Bayerische Staatsoper y actualmente en el Teatro Real.

  • ¿Qué supone para usted dirigir el coro de un teatro tan prestigioso como el Teatro Real de Madrid? ¿Qué destaca de él y qué cambiaría según su experiencia como director de otros coros?

Dirigir el coro del Teatro Real significa para mí la realización de mi sueño, respecto a trabajar con un ente privado y no más con funcionarios públicos estables e inamovibles. Destaco principalmente del Teatro Real este sistema: tanto la orquesta como el coro son organismos privados, contratados por el teatro a través de una empresa que los gestiona. No cambiaría nada por el momento, es mi segunda temporada en Madrid.

  • ¿Qué destaca del trabajo de Gerard Mortier en el Teatro Real?

El trabajo de Gerard Mortier es el que Madrid y su ópera merecen. Es un visionario que marcha un paso adelante de sus semejantes.

  • ¿Cómo es la organización entre los integrantes del coro? ¿Cómo es el trabajo con ellos?

La organización del coro es excelente. Hemos realizado exigentes audiciones hace dos años para lograr un "coro de élite". Son estupendos artistas cantantes. El trabajo con el coro del Real llena de placer a cualquiera que tenga contacto con ellos, ya sean directores de orquesta o de escena.

  • Sobre C(H)ŒURS, ¿cómo ha sido para el coro trabajar de esa manera, siendo los protagonistas y realizando acciones que no harían normalmente?

Sobre C(H)ŒURS podríamos hablar muchísimo. Solo del punto de vista musical digamos que los dos compositores que inspiraron a Platel son los más importantes en el escenario lírico. Desde el punto de vista escénico, podemos decir que nuestros "chicos" están en condiciones de realizar cualquier labor "lírico-coreográfica". Se entiende que son cantantes y no bailarines. Pero se adaptaron muy bien a las exigencias de A. Platel. Y él se adaptó con sus diez bailarines al trabajo coral. Fue una experiencia diferente y enriquecedora.

  • ¿Qué opina sobre el controvertido recibimiento del espectáculo de Platel?

No me preocupa el recibimiento controvertido. Se trata de algo nuevo y esto siempre origina dos corrientes de opiniones. Siempre ocurrió este fenómeno. Le doy solo un ejemplo: Cuando Mahler estrenó su sexta sinfonía, sus detractores (que los tenía) se llevaron cornetas de juguete para abuchearlo cuando acabase. ¿Quién osaría ahora poner en duda ni una sola nota de las que él compuso?

  • Ha dirigido hace no demasiado una de las “Mañanas familiares” que organiza el Real. ¿Cómo considera de importante la enseñanza de la música a los más pequeños en un futuro amenazado por la actual crisis? ¿Cuánto considera que está afectando esta crisis política y económica al panorama musical en España?

Desgraciadamente desconozco si existe algún planteamiento del gobierno con respecto a la educación musical de los más pequeños, salvo los recortes presupuestarios a la cultura que son de dominio público.

Por propia experiencia puedo decirle que si alguien tiene una vocación, luchará para verla realizada. Creo que es muy importante que al niño se le ofrezcan oportunidades y el gobierno juega un papel esencial en ese sentido y no creo que el panorama musical en España vaya a sufrir demasiado debido a la crisis.
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Por último, solo queda esperar vuestra interacción y volver a agradecer de forma directa al señor Máspero, por tan increíble oportunidad.

¡Hasta la próxima, seguidores!

15/4/2012

Scarlatti, íntegro en el Instituto Italiano de Cultura en Madrid


Bien es sabido que la actividad musical de Domenico Scarlatti está desarrollada a medio camino entre su Italia natal y su lugar de fallecimiento, España. Así, no hay forma mejor de rendir homenaje a su figura que en el Ciclo integral de las sonatas para teclado de Domenico Scarlatti organizado por el Instituto Italiano de Cultura en Madrid.

Así pues, a lo largo de tres temporadas (desde 2011 hasta 2014) podremos disfrutar de todas y cada una de las 555 sonatas para clave compuestas por el músico italiano, además de otras obras de sus contemporáneos o sucesores, tales como Bach, Haendel (ambos nacidos en 1685, como Scarlatti), Galuppi, Liszt o Frescobaldi.

Esta primera temporada está llegando a su fin, pero todavía nos quedan dos conciertos a los que podemos asistir, uno en mayo y el último en junio, aunque desde que se inaugurara en octubre ya han participado artistas de renombre internacional tales como Ottavio Dantone, Roberto Cominati, Rinaldo Alessandrini o Enrico Pieranunzi.

Pero, ¿cómo podemos conseguir las entradas? El Instituto ofrece entrada libre hasta completar aforo, así que lo único que tendremos que hacer será conseguir una de las entradas dobles que se reparten una hora antes de cada concierto en la misma sede, el Palacio de Abrentes, situado en Calle Mayor 86, de Madrid.


Por último, aquí puedes consultar el calendario de esta temporada (2011-2012):

11 octubre 2011, a las 20.00 h. Ottavio Dantone (clave)

26 enero 2012, a las 20.00 h. Roberto Cominati (piano)

9 febrero 2012, a las 20.00 h. Rinaldo Alessandrini (clave)

12 abril 2012, a las 20.30 h. Enrico Pieranunzi (piano)

29 mayo 2012, a las 20.00 h. Fabio Bonizzoni (clave)

13 junio 2012, a las 20.00 h. Andrea Lucchesini (piano)

Ya queda solo esperar a la próxima para saber de lo nuevo que podremos disfrutar. Consulta la página web oficial del Instituto Italiano de Cultura (http://www.iicmadrid.esteri.it) para conocer más detalles.

6/4/2012

Entrevista al bailarín Romain Guion

Continuando con los reportajes sobre el espectáculo C(H)ŒURS, hoy os traemos una nueva entrevista. Esta vez ha sido Romain Guion, bailarín, el que nos ha atendido por medio de correo electrónico.

Romain Guion en Monolith (Toni Mira). Fotógrafo: Roy Campbell-Moore

Os dejamos con sus impresiones sobre la danza contemporánea y sobre C(H)ŒURS en particular. Confiamos en que os guste, y esperamos vuestros comentarios.

Entrevista en español

  • ¿Cómo fueron sus primeros pasos en el mundo de la danza? ¿Cuánto sacrificio supuso para usted entrar a formar parte de una compañía de danza?

Esa es siempre una pregunta difícil de responder para mí. No creo que comenzar con la danza o decidir que fuera una profesión fuera una vocación. Lo concibo más como una serie de oportunidades y elecciones que hacer. Mi primer paso, de hecho, fue iniciado por mi madre, que me llevó a clase de jazz. Poco a poco fui añadiendo más clases de diferentes estilos (folk, ballet) y en más escuelas de baile. Rápidamente, me encontré dando clase todos los días, participando en competiciones y talleres. Mis profesores me sugirieron que solicitara entrar en algunas escuelas de danza y de repente, sin entender del todo la situación, fui admitido en el “Conservatoire National Supérieur de Danse de Paris”. Estuve ahí durante cuatro años. No creo en el concepto de hacer “sacrificios” para ser parte de una compañía de danza o en el mundo de la danza en general. Para mí no es darse por vencido. Se trata de hacer decisiones y compromisos. Esto es similar a las decisiones diarias que todo ser humano hace para seguir con su vida. Cada profesión tiene sus ventajas y sus inconvenientes. La parte dura es aceptar la desventaja y sacar partido de ella.

  • ¿Por qué y cómo entró en “Les Ballets C de la B”?

Tuve la oportunidad de ver dos de las anteriores producciones de Alain Platel (“VSPRS” y “pitié!”), las cuales me deslumbraron totalmente. Estaba, por un lado, totalmente emocionado y sorprendido por cómo Alain es capaz de crear un remolino de emociones. Por otro lado, estaba asombrado por el arte y el nivel técnico de los intérpretes. Para mí, “Les Ballets C de la B” es una de las mejores y más creativas compañías en el terreno de las artes contemporáneas a nivel internacional. Después de ser testigo de su talento, “Les Ballets” pasaron a ocupar una posición en mi “lista de compañías deseadas”. En 2011, “Les Ballets” publicaron un aviso de audiciones para un nuevo proyecto y me presenté inmediatamente. Tuve la suficiente suerte como para ser seleccionado para asistir a la audición.

  • ¿Cuál es su opinión sobre la danza contemporánea? ¿Qué cosas cree que aporta que otro tipo de danza no muestra?

Mmmm... ¡Otra pregunta difícil! Trabajando para la “Compañía Nacional de Danza de Gales” durante cuatro años, tuve que llevar numerosos talleres con niños en los colegios. Recuerdo que la parte más difícil era intentar definir la danza contemporánea. Me gusta explicarlo literalmente y considerar al mundo contemporáneo como aquello “que existe u ocurre en la época actual, conforme a ideas modernas o actuales sobre estilo, moda, diseño, etc.”. Así que siempre que se refiera a ideas actuales y a su reflejo en conceptos también actuales, lo llamaría contemporáneo. Tengo que admitir que es difícil pensar lo mismo con la tendencia de lo contemporáneo “sin danza”. He visto muchas producciones que se hacen llamar “espectáculos de danza” en los cuales nadie se está moviendo. Es como si de repente la gente se asustara de expresarse con sus cuerpos o con movimientos. Esta moda me enfada y a menudo me pregunto por el futuro de la danza. No obstante, creo que la fuerza de la danza contemporánea radica en la dimensión intelectual que ofrece. El ballet confía más en la estética y el patetismo. Una historia simple y lineal a menudo conocida por muchos y la expresión de sentimientos a través de efectos dramáticos. La danza contemporánea se centra más a menudo en conceptos y preguntas. Quizás es eso por lo que la danza contemporánea todavía es vista por muchos como una forma de arte misteriosa. Se invita casi siempre a la audiencia a pensar y reflexionar.

  • ¿Cómo fue trabajar con Alain Platel? ¿Qué destacaría de su forma de trabajar como coreógrafo?

¡Un sueño hecho realidad! Tengo que admitir que Alain es el coreógrafo más generoso, amable, respetuoso y compasivo con el que he tenido la oportunidad de trabajar. El proceso creativo fue totalmente colaborativo. Pasamos bastante tiempo intercambiando ideas, opiniones, viendo documentales, películas, trayendo textos o imágenes al estudio. Alain no es alguien que impone o dicta órdenes. Además, la creación rápidamente se convierte en una piscina de intercambio con cualquiera que tiene ideas sobre ello. Fueron todo pruebas y escoger lo que es más apropiado para cada pieza. Si me preguntas sobre lo que destaco de su trabajo, diría su humanidad, en su más profundo y sagrado sentido.

  • Sobre C(H)OEURS, ¿cómo fue trabajar con el coro, todos juntos?

¡Trabajar con un grupo muy grande de personas puede ser muy caótico y ruidoso muchas veces! Pero tengo que ser honesto y admitir que tengo el más profundo respeto y admiración hacia los miembros del coro del Teatro Real. Todos y cada uno de ellos son profesionales, llenos de talento y comprometidos con lo que hacen. Se implicaron muchísimo en el proyecto y pudimos lograr mucho en muy poco tiempo (¡y se lo pasaron muy bien!).

  • ¿Qué significa para usted hacer una representación en un teatro tan prestigioso como el Teatro Real de Madrid?

Bueno, realmente no soy como una urraca que va cogiendo todo lo que brilla y que puede encontrar, y tampoco voy detrás de la fama. He trabajado tanto en teatros nacionales como en pequeñas compañías independientes. Ambos son agradables. Es como comer en un restaurante con estrellas Michelin o en uno familiar y acogedor. En los dos sitios la comida puede ser increíble.

  • ¿Qué opina de la controvertida recepción de C(H)OEURS en Madrid? ¿Lo esperaba?

¡Nos advirtieron! Pero siempre hay diferencia entre que te lo cuentan y experimentarlo. Es, por supuesto, extraño ser aclamado y abucheado al mismo tiempo. Tengo diferentes opiniones acerca de lo que sucedió. Como intérprete, sufrí diferentes emociones dependiendo de las noches y de mi humor de cada día. Algunas noches, que me abuchearan no me afectó mucho, mientras que en otras me sentí triste o enfadado. Di todo lo que pude en el escenario y cuando fui abucheado me quedé perplejo. Pero más que nada me hizo pensar. Como miembro de la audiencia, nunca abuchearía, gritaría o insultaría a los intérpretes durante el espectáculo. Si a lo mejor no me gusta, no aplaudiría al final. Solo me fui una vez de un espectáculo, e intenté hacerlo de la manera más discreta posible. Así que me empecé a preguntar qué fue lo que hizo que la gente en Madrid reaccionara de forma tan violenta y con tanta pasión. La única explicación a la que pude llegar es que fuera que el espectáculo removiera fuertes sentimientos que no pudieron controlar. Tengo que decir que me decepcioné mucho con la prensa española. No porque a la mayor parte de los periodistas que criticaban el espectáculo no les gustara, sino porque sus argumentos eran débiles y sin educación, y porque rápidamente los críticos no hablaron más de la representación. Tuve la sensación de que C(H)OEURS se convirtió en una herramienta política con la que atacar las políticas del Teatro Real y a Gerard Mortier en particular. Encontré ese comportamiento miserable y patético.

Entrevista original en inglés

  • How were your first steps in the world of dance? How much sacrifice meant to become part of a dance company?

It is always a tricky question for me to answer... I don't think getting into dancing or deciding to make it my profession was a vocation. I conceive it more as a series of opportunities and choice making. My first step was actually initiated by my mum who simply took me to a jazz class. Little by little I added more classes in different styles (folk, ballet) and in more dance schools. Very quickly I was taking classes everyday, doing competitions and workshops. My teachers suggested to me to apply for dance colleges and suddenly without totally comprehending the situation, I was admitted to the “Conservatoire National Supérieur de Danse de Paris”. I was there for four years. I don't believe in the concept of making “sacrifices” to be part of a dance company or the “dance world” in general. It is not for me about “giving up” something. It is about making choices and compromises. In that respect it is similar to the everyday decisions that every human being makes to lead its life. Each profession has its advantages and disadvantages. The hard part is to accept the inconvenience and make the most of it.

  • Why and how did you get into “Les Ballets C de la B”?

I had the opportunity to see two of the previous productions of Alain Platel (Vsprs & Pitié) which both totally blew me away. I was in one hand extremely touched and amazed on how Alain is capable of creating a whirlpool of emotions. On the other hand I was astonished by the artistry and technical level of the performers. For me, “Les Ballets C de la B” is one of the best and most creative companies in the field of contemporary arts on an international level. After witnessing their talent, “Les Ballets” made it to my “company wish list”. In 2011 “Les Ballets” published an audition notice for a new project and I immediately applied. I was lucky enough to be selected to attend the audition.

  • What is your opinion about contemporary dance? What things do you think it brings that another type of dance doesn't offer, such as the classic dance?

Mmmm… Another tricky question! Working for “Wales National Dance Company” for four years, I had to lead numerous workshops for children in schools. I remember that the hardest part was trying to define contemporary dance. I like to explain it literally and to consider the word contemporary as “existing or occurring at the present time, conforming to modern or current ideas in style, fashion, design, etc.”. So as long as it refers to current ideas and is reflecting current concepts, I would call it contemporary. I have to admit that I have a hard time with the “non dance” trend. I have seen many productions called “dance shows” in which nobody is actually moving. It is like suddenly people are scared of expressing themselves with their bodies or movements. These tend to make me angry and I often wonder about the future of contemporary dance. Nevertheless, I believe that the strength of contemporary dance is the intellectual dimension that it offers. Ballet relies more on aesthetics and pathos. A simple story line often known by many and the expression of feelings through dramatic effects. Contemporary dance relies more often on concepts and questionings. Maybe it is why contemporary dance is still viewed by many as a mysterious art form. The audience is often invited to think and reflect.

  • How was working with Alain Platel? What do you stand out from his work as a choreographer?

A dream come true! I have to admit that Alain is the most generous, kind, respectful and supportive choreographer that I had the chance to work with. The creative process was an absolute collaborative one. We spent quite a lot of time exchanging ideas, opinions, watching documentaries, films, bringing texts or images to the studio. Alain is not someone that imposes or dictates. Therefore the creation quickly became a pool of exchange with everyone throwing ideas around. It was all about try-outs and picking what would fit best for that specific piece. If you ask me what stands out from his work, I would say humanity in its most profound and sacred sense.

  • About C(H)OEURS, how was working with the choir, all together?

Well, working with a large group of people can be very chaotic and noisy at times! But I have to be honest and admit that I have the deepest respect and admiration for the members of the chorus of the Teatro Real. Each of them are professional, talented and committed. They were extremely involved in the project and we could achieve a lot in a very short time (and they are all great fun!).

  • What does it mean for you to do a performance at a theater as prestigious as the Teatro Real in Madrid?

Well, I am not really a magpie picking every shiny thing that it can find and I am not either running after fame. I have worked both in national theaters and small independent companies. Both are very enjoyable. It is like eating in a Michelin star restaurant or a cosy family run one. In both establishments the food can be amazing.

  • What do you think about the controversial reception of C(H)OEURS in Madrid? Did you expect it?

We did get warned! But there is always a difference between being told and then experiencing it. It is of course strange to be acclaimed and booed at the same time. I have different opinions about what happened. As a performer I went through a wide range of emotions depending on the nights and on my mood that day. Some nights being booed didn't affect me much, other nights I felt sad or angry. I gave everything I could on stage and shared generously and when I was booed, it just puzzled me. But most of all it made me think. As an audience member I would never boo, shout, kick the seats or insult the performers during the show. At best and if I don't like the show, I would just not clap at the end. I have only left a show once and tried to do it as discretely as possible. So I started to wonder what could make the people in Madrid react so violently and with so much passion. The only explanation that I could come up with is that the show did stir strong feelings in them that they could not control. I have to say that I was very disappointed with the Spanish press. Not because most of the journalists reviewing the show didn't like it but because their arguments were weak and uneducated and because very quickly the critics were not about the piece anymore. I had the feeling that C(H)OEURS became a political tool to attack the policies of the Teatro Real and Gerard Mortier in particular. I found that behaviour mean and pathetic.

2/4/2012

Entrevista a Alain Platel, director de C(H)ŒURS

Si ya habíamos hablado del espectáculo C(H)ŒURS que se estaba representando en el Teatro Real, desde este blog quisimos contactar con la compañía belga "Les ballets C de la B" para que pudieran responder unas preguntas.

La mañana previa a la última función en el teatro de la capital madrileña fue el propio director de la compañía y del espectáculo, Alain Platel, el que nos atendió muy amablemente.

Mucho de lo que nos contó resulta bastante interesante, como el hecho de que la prensa no quiera contactar con él para realizar una rueda de prensa o siquiera hacer una entrevista. Por ello, esta entrevista será una de las pocas que haya concedido el director belga en este paso por nuestro país. Si queréis saber lo que respondió y muchos más datos contados desde el interior de C(H)ŒURS, no tenéis más que seguir leyendo; en primer lugar se publicará la entrevista traducida al español y luego el audio y la transcripción originales en inglés.

Y desde aquí, volver a agradecer a Alain su disposición y amabilidad para la realización de esta entrevista. Lo más agradable de mi futura profesión es encontrarse con gente que se preocupa tanto por estudiantes que acaban de empezar.

Nada más por ahora. Esperamos vuestros comentarios para saber qué os ha parecido o sugerir alguna entrevista que os apetecería que hiciéramos. Saludos!



Entrevista en español

  • ¿Cómo y por qué empezó en el mundo de la danza?
Estudié psicología y pedagogía y no tenía intención de llegar a ser creador teatral, pero a mediados de los ochenta me interesé en el teatro, y con mis amigos y familia hice pequeñas representaciones. Como entonces yo vivía en un loft, usamos ese lugar para mostrarlas. En ese tiempo había una especie de interés por parte de los jóvenes directores de teatro de mostrar este mundo. Así que todo comenzó cuando decidí con lo que quería continuar, si con mi trabajo como psicólogo y pedagogo o con el teatro, y entonces decidí hacer teatro.

  • ¿Por qué decidió centrarse en la danza contemporánea? ¿Qué cosas cree que aporta que no ofrece otro tipo de danza?
Bueno, no me centré en nada específico, excepto en la gente con la que trabajaba. Y al principio trabajamos con gente sin experiencia como bailarines. Algunos miembros de la compañía eran amigos míos; había un doctor, un quesero, y mucha gente más. Así que nos centramos en lo que podíamos hacer, y no tanto en la danza contemporánea, sino en lo que nuestros cuerpos podían expresar y eso se consideró como contemporáneo en esa época, cosa que no esperaba. Más adelante, más y más bailarines profesionales quisieron trabajar con nosotros, y entonces se creó la compañía de danza. Pero también hago teatro, trabajo con gente muy diferente, distintos temas... Así que no hay ningún foco en la danza contemporánea.

  • ¿Cree que la gente entiende realmente lo que intenta expresar con su danza?
Espero que la gente sienta lo que está ocurriendo encima del escenario, más que que intenten entenderlo. Nunca he tenido la intención de contar una historia o de transmitir un mensaje. Siempre es una combinación de muchos medios, música, movimientos, textos... y, en este caso, C(H)ŒURS se trata de música en directo en el contexto de una ópera. Así que espero que la gente no se obsesione con intentar entender lo que está sucediendo, sino que queden emocionalmente afectados por lo que está pasando.

  • ¿Cómo está afectando la crisis económica al mundo del entretenimiento, y más específicamente, al mundo de la danza?
Bueno, la cultura es normalmente el primer presupuesto que se ataca, porque en general no puedes sacar beneficios económicos de ella. Creo que es una pena, porque realmente pienso que si una sociedad está en crisis, especialmente en una crisis económica, se debería invertir más en cultura, ciencia y educación, porque si queremos encontrar una solución a estas crisis, debe proceder de ahí. No podemos esperar que los bancos, por ejemplo, solucionen la crisis. Ellos son los responsables del problema, así que no lo resolverán porque no está en sus intereses, que son ganar más y más dinero, así que si queremos solucionarla, debemos invertir más en lo que ya he dicho, porque de las nuevas generaciones surgen nuevas inspiraciones.

  • ¿Cuál es el punto de partida a la hora de desarrollar un espectáculo?
Puede ser muy diferente, pero a menudo ocurre cuando algo me llama la atención. En C(H)ŒURS fue una petición de Gerard Mortier para hacer algo sobre el mundo de Verdi. Y no me gustaba mucho su música, pero siempre me intrigan los proyectos de Gerard Mortier. Me fascina su actitud, escuchar música y trabajar sobre ella, y con su proposición pensé “Quizás tengamos que trabajar sólo con música coral”, lo que fue difícil de resolver para él, ya que no creía que pudiera hacerlo con un coro de ópera. No es fácil trabajar con un coro. Pero cuando vino al Teatro Real hace dos años y conoció al coro, me llamó y me dijo “Con este coro, puedes hacerlo”. Así que ese es un ejemplo de cómo puede empezar un proyecto. Pero el proyecto que hice anteriormente fue un espectáculo con personas mayores transexuales, porque hace diez años trabajé con una actriz transexual que trabajó en cabarés en los cincuenta y sesenta, y me preguntó que si quería hacer una representación con amigos suyos que conoció por esa época. Ese es otro ejemplo, o el de una bailarina que me pidió hacer una representación con ella, o el de la petición de un actor sobre el tema de los niños soldado en África. O había alguien que me pidió hacer una representación muy corta con strippers, así que todo es muy diferente. Pero con la compañía de danza (trabajo en Les ballets C de la B), intento seguir trabajando con la misma gente alrededor de ciertas ideas sobre el lenguaje físico, que es bastante específico, combinándolo con la música en directo.

  • ¿Cómo elige a los bailarines para cada espectáculo?
Siempre intento conocerlos personalmente. Si tengo que organizar audiciones, lo hago, pero intento evitarlas, porque hay mucha gente que se presenta y quiero verlos en buenas condiciones, lo que significa no solo ponerles un número en su camiseta y que hagan solo una pequeña muestra, e ir eliminándolos. Quiero conocerlos, trabajar con ellos un día entero, hablar con ellos... Así pues, intento encontrar formas de evitar las audiciones. Como también sucede de otra forma, cuando la gente contacta conmigo como tú hiciste y pregunta “¿Podemos quedar?”, y si tengo tiempo y es una buena oportunidad, digo que sí, lo que ocurre también con los bailarines.

  • Y ahora sobre C(H)ŒURS, ¿cómo fue trabajar conjuntamente con la danza y el coro?
Bueno, sabía que trabajar en un teatro de ópera sería muy preciso, porque no tienen tanto tiempo como el que necesitamos nosotros para hacer una creación. Cuando nos ocupamos en un proyecto, trabajo con los bailarines durante tres o cuatro meses, todos los días, experimentando cosas, haciendo muchas improvisaciones... Aquí con el coro sabía que sólo podría trabajar dos semanas, así que tuvimos que preparar toda la representación en Ghent, y lo hicimos con un grupo muy grande de voluntarios (cien personas), amateurs, personas que no son cantantes o bailarines, pero que quieren venir y trabajar con nosotros todos los sábados, para ver cómo podemos trabajar con un grupo tan grande de personas. Y entonces, cuando llegamos aquí, tuvimos que enseñarlos, confiando en que le gustara. Pero hubo un muy buen contacto entre nosotros y el coro, y disfrutaron haciéndolo, así que las cosas salieron muy bien.

  • ¿Qué ofrece la música de Verdi y la de Wagner? ¿Qué diferentes sentimientos crees que aporta cada una?
Bueno, me centro en una parte específica de la música de Wagner y Verdi, la música coral. Ambos vivieron en un periodo, principios-mediados del siglo diecinueve, y cada uno en un país, Wagner en Alemania, Verdi en Italia, que en esa época no eran un país todavía, sino un grupo de pequeños estados, no Alemania ni Italia. Pero había un gran deseo entre la gente de intentar convertirse en una nación. Había un sentimiento nacionalista enorme, y en muchas de las óperas de Verdi y en algunas de Wagner se hace un llamamiento a eso: “convirtámonos juntos en una gran nación”. Y usé este tema para compararlo con lo que está sucediendo ahora en Europa, porque es muy similar. No es una nación, pero sí un continente compuesto por diferentes naciones que intentan llegar a ser un continente, Europa. Así que ese es uno de los temas que intentamos desarrollar.

  • Y en este sentido, ¿qué opina de los nuevos movimientos ciudadanos, como el 15-M, Occupy Wall Street o la Primavera Árabe?
El hecho de que mucha gente quiere cambios e intenten protestar contra ciertos sistemas políticos, económicos o incluso culturales, me parece un buen signo. Me preocupe ver lo que ocurrirá dentro de diez años con la gente comprometida con estos movimientos. Estaría bien si continúan su lucha lo máximo posible. Lo que vemos en el pasado es que muy a menudo se convierte en parte del sistema, y tengo curiosidad por ver lo que está pasado, por un lado, pero por otra parte, por supuesto, apoyo cualquier tipo de movimiento que intente rebelarse contra las injusticias.

  • ¿Qué significa para usted hacer una representación en el Teatro Real?
Bueno, no era consciente de ello. No conocía el Teatro Real. Tan solo tenía claro que quería hacer algo con Gerard Mortier, director artístico. Así, cuando llegué aquí, me enfrenté a una gente muy agradable en el teatro, que quería apoyarnos completamente en lo que estábamos haciendo, eso es por una parte. Así que estaba muy confiado. Me gustó también el trabajo con el director del coro, con el coro, con el director de la orquesta... Así que todo fue bien hasta el estreno, y entonces algo cambió. De pronto, hubo reacciones extremadamente violentas por parte del público, y no me lo esperaba. Es algo que no vi mientras estuve viviendo aquí. Nunca había estado en Madrid durante tanto tiempo, y me encontré con una ciudad muy agradable, con gente muy amable, con una mentalidad muy abierta, y no me esperaba que en el teatro la gente reaccionara de forma tan violenta contra la representación, que no son todos, pero sí un cierto sector de la gente que vive aquí.

  • Sobre futuros proyectos, ¿qué piensa hacer ahora?
No lo sé. Durante los últimos seis años, el trabajo que he hecho ha sido tan intenso que mañana vuelvo a casa y tan solo quiero descansar un poco, y hablar con la gente de la compañía para ver lo que viene a continuación. No tengo una idea clara. Estoy demasiado cansado por ahora.



 Entrevista original (inglés)

  • How and why did you start in the world of dance?
I studied psychology and pedagogic and I didn't have any intention to become a theatre maker, but in the mid-eighties, I was interested in theatre, I watched theatre and with friends and family members we made little performances, and I was living in a loft at that time, and we used this place also to show our... And at that time, there was also a sort of an interest from young theatre directors to invade this world, and to show it to an audience. This is all began when I had to decide what I wanted to continue, to do my work as a psychologist and pedagogue or to continue in theatre, and then I decided to do theatre.

  • Why did you focus on contemporary dance? What things do you think it brings that other kind of dance cannot offer?
Well, I didn't focus on anything specific, except for the people I was working with. And in the beginning, we worked with people with no backgrounds as dancers. Some of the members of the company were friends of mine, and there was a doctor, a cheese-maker, and many people. So we focused in what we could do, and not so much on contemporary dance, but we focused on what our bodies could express, and it was considered to be contemporary dance at that time, which I didn't expect to be. And that's, you know, so it became a liable that they put on us much more than we were focused on contemporary dance or doing something with contemporary dance, because I don't have any background as a dancer. So then more and more professional dancers were interested in working with us, and then it became a dance company. But I also make theatre, I work with different people, different themes... So there is no focus on contemporary dance.

  • Do you think people can really understand what you are trying to express with your dance?
I hope people feel what is happening on stage, much more than they try to understand. I never had the intention to tell a story, or to give a message. It is always a combination of many... media, music, movements, texts, and in this case, C(H)ŒURS is live music in the context of an opera. So I hope that people are not obsessed by trying to understand what is happening on stage, but they are much more emotionally touched by what is happening.

  • How is the economic crisis affecting the world of entertainment, and more specifically, the dance world?
Well, culture in general is always one of the first budgets that is attacked, because in general there is no economic profit that you can make there, so it's always a subject of society to try to support culture, but if there's economic crisis, then it's the first budget to go or to give in. I think it's a pity, because I really believe that if society is in crisis, specially an economic crisis, it should invest even more into culture, science and education, because if we want to find a solution for these crisis, then it has to come from there. We will not, you cannot expect crisis, specially now crisis, be solved by banks, for example. They are causing the trouble, so they will not solve it, and it's not in their interests to solve it, their interest is to make more money, so if we want to try to solve, we should invest in science, education and culture, even more, because from new generations can come new inspirations.

  • What is the starting point when developing a show, a performance?
It can be really very different, very often it's like something intrigues me. In C(H)ŒURS it was the question from Gerard Mortier to me if I wanted to think to make something around the world of Verdi. And I didn't like this music so much, but I am always intrigued by questions that Gerard Mortier is asking to people. I got fascinated, and his attitude, listen to the music and work on it, in general, it was his proposition that I thought like: “Maybe we have to work only with choir music”, which was a difficult thing for him to solve, because he didn't believe he could do it with an opera choir, because opera choirs are not allowed to do a lot of other things. It's not easyto work with a choir. But when he came to Teatro Real two years ago, and met the choir here, he called me and he said: “With this choir, you can do it”. So that's an example of how a project can start. But the project I did before was a project with old transsexuals, because I worked with an actress, a transsexual actress, ten years ago and she used to (she is an old woman) work in the fifties, the sixties... in cabarets, and she asked me if I wanted to make a performance with friends of her that she knew back in the fifties, old people. So that's another subject, or there is a dancer who asked me to make a performance with her, and an actor of the subject of child soldiers in Africa. Or there was somebody who asked me to make a very short performance with striptease dancers, so it can be very very different. But with the dance company (I'm working for Les ballets C de la B), I try to continue to work with the same people around these ideas about certain kind of physical language, which is quite specific, in combination to live music.

  • How do you choose the performers for each show?
I always try to meet them personally. If I have to organize auditions, I do, but I try to avoid them, because there is so many people who apply, and I want to see everybody in good conditions, which means not just putting a number on their shirt and have them do just a little class, and you know, eliminating them. I want to meet them, I want to work with them for a whole day, talk with them... So then you have to try to find ways to avoid auditions and invite specific people. But it can also, happen the other way around, when people who just come to me like you asked “Can I meet you?”, and then if I have time, and it's a good opportunity to do so, then I say yes, and that happens to dancers too.

  • And now about C(H)ŒURS, how was working with dance and choir, all together?
Well, I knew that working in an Opera house would be very specific, because they have not the kind of time that we use to make a creation. When we work on a creation, I work with the dancers for three or four months, you know, every day, experiment things, doing a lot of improvisations... Here with the choir I knew I could only work two weeks, so we had to prepare the whole performance in Ghent, where I live, and we prepared it with a big group of volunteers, amateurs, people who are not singers or dancers but just wanted to come and work with us every Saturday, to see how to work with a big group of people. So there were a hundred people, who were there every Saturday, to work with us, and to prepare the whole show before coming here. And then when we arrived here, then we had to teach them, hoping that they will like it. But there was a very good contact between us and the choir and they liked doing it, so things went very well.

  • What does Verdi's music provide and Wagner's? And what different feelings do you think each one shows?
Well, I focus on a specific item in the music of Wagner and Verdi, the choir music, and a lot of their music refers to certain... You know, both of them, Verdi and Wagner, they lived in a period, the beginning of the nineteen century, mid-nineteen century, and each in his country, Wagner in Germany, Verdi in Italy, that at that time was not a country yet. It was just like a group of little states, but it was not Germany, it was not Italy. But there was a great desire amongst the people who tried to become one nation. So there was a huge nationalistic feeling, and in many of the operas of Verdi and in some of Wagner, there is an appeal for that. There was like a question “Let's become all together a big nation”. And I used this item to put next to what is happening now in Europe, because something similar is happening. It's not one nation, but it's a continent of different nations that tries to become one continent, Europe. So it's the subject, one of the subjects that we try to develop.

  • And in this way, what do you think about new movements, such as 15-M, Occupy Wall Street or Arab Spring?
The sign of the fact that a lot of people wants a change to happen, and they try to protest against certain political systems, economical system, even cultural system, I think it's a good sign. I'm always worried to see what will happen in ten years, with the people who are now engaged of these movements. It could be nice if they continue their struggle as long as possible. That what you see in the past is, very often, that they become part of the system and I'm curious to see what is happening, that's one side, on the other side is, of course, that I support any kind of movements that tries to revolve against sort of kind of injustices.

  • What does it mean for you to do a performance in Teatro Real?
Well, I wasn't aware of it. I didn't know Teatro Real. I was just... I just agreed that I wanted to do something with Gerard Mortier, artistic director. Now when we arrived here, I was confronted with a very very warm house of people who absolutely wanted to support what we were doing, that's one thing. So I was very confident. I liked also the work with the choir director, with the choir, with the chef d'orchestre... So everything went very well, until the première, and then something else happened. All of a sudden, they were extremely violent reactions from the side of the public, and this was unexpected. It's something that I didn't see when I was living here. I like... you know, I have never been in Madrid so long, and I just saw that it's a very nice city, very friendly people, so... very open-minded, and I didn't expected in the house people would react so violent against the performance, not all of them, but a certain layer of the population living here.

  • About future projects, what do you think to do now?
I don't know. For the last six years, the work I did was so intense that I'm going home tomorrow and I want to take off just for a while, and discuss with the people of the company to see what is next. I have no clear idea. I'm too tired for the moment.


Más información sobre Alain Platel en la página web de su compañía. Visita http://www.lesballetscdela.be/#/en/les-ballets-c-de-la-b/the-artists/alain-platel/biography/



23/3/2012

Estreno mundial de C(H)ŒURS en el Teatro Real de Madrid

En estreno mundial, el Teatro Real acoge hasta el próximo día 26 el espectáculo C(H)ŒURS (de coros y corazones), un espectáculo arriesgado conducido por el belga Alain Platel.

Con música de Verdi y Wagner (el año próximo se cumplen 200 años del nacimiento de ambos compositores), nos adentraremos de mano de “Les ballets C de la B” (“Ballets Contemporains de la Belgique”) en un mundo donde se entrelazan actualidad, política o literatura, con “reflexiones” de Marguerite Duras o Jonathan Littell, entre otros. Además, el grupo belga compartirá escenario con el coro del propio Teatro Real; en total, 72 cantantes y 10 actores-bailarines participarán en este espectáculo, ambicioso pero a la vez austero, adaptándose a los difíciles tiempos económicos que corren.
Otro aspecto interesante es el del acercamiento a cualquier tipo de público, haciendo el espectáculo más asequible, tanto a nivel del propio desarrollo como a nivel de precio. En las 10 representaciones de este mes en el teatro, se ofrecen 10.000 entradas fuera de abono (que oscilan entre 7 y 90€) con un descuento del 90% para los jóvenes menores de 30 años, siempre que queden entradas en taquilla cuatro horas antes del comienzo de la representación. Es decir, la entrada más cara valdrá 9€ y la más barata, ¡solo 70 céntimos! Por tanto, se trata de una oportunidad única de ir al Teatro Real a disfrutar de un estreno mundial. Ya solo quedan dos sesiones (24 y 26 de marzo a las 20.00), así que date prisa. No desaproveches esta ocasión.

Por último, comentaremos la información práctica que presenta el Teatro Real en su página web (http://www.teatro-real.com):


Sinopsis:
La tensión entre el grupo y el individuo ocupa desde hace años un lugar central en los espectáculos de Alain Platel, que son populares, anárquicos, eclécticos y comprometidos.

En C(H)ŒURS investiga con sus bailarines y el coro del Teatro Real lo “peligrosamente hermoso” que puede ser un grupo. Investiga la interrelación que se puede establecer entre el nacionalismo progresista de Verdi y Wagner, y la tendencia actual de las naciones a encerrarse en sí mismas. ¿Cabe algún espacio en la masa para el amor idealizado?

Igual que Jonathan Littell en su novela “Las benévolas”, Platel se pregunta sobre la responsabilidad del individuo en el grupo. Pero la cuestión esencial sigue siendo cómo nosotros, espectadores del siglo XXI, seguimos sintiendo la irresistible emoción de la música de los coros y preludios de Verdi y Wagner.

Ficha artística:

  • Director musical: Marc Piollet
  • Director de escena, coreógrafo, escenógrafo: Alain Platel
  • Director del coro: Andrés Máspero
  • Dramaturga: Hildegard de Vuyst
  • Dramaturgo musical: Jan Vandenhouwe
  • Música adicional y paisajes sonoros: Steven Prengels
  • Figurinista: Dorine Demuynck
  • Iluminador: Carlo Bourguignon
  • Diseñador de sonido: Bart Uyttersprot
  • Asistente del director de escena: Sara Vanderieck, Marcelo Buscaino
  • Asistente de la figurinista: Dorothée Catry
  • Maestros repetidores: Miguel Ángel Arqued, Arnaud Arbet
  • Creadores e intérpretes: Bérengère Bodin, Daisy Ransom Phillips, Ido Batash, Juliana Neves, Lisi Estaras, Quan Bui Ngoc, Romain Guion, Romeu Runa, Rosalba Torres Guerrero, Serge Aimé Coulibaly; Les Ballets C de la B; Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real (Coro Intermezzo y Orquesta Sinfónica de Madrid).
  • Niños: Ignacio Mª Gatell Redondo, Martín López Malgesini, Nicolás del Real Sasaki, Pepe Soler Sacristán.
  • Realización del decorado: Les Ballets C de la B, NTGent.
Programa:

  • Guiseppe Verdi – “Dies irae” y “Tuba mirum” de Messa da Requiem
  • Richard Wagner – Preludio del Acto I de Lohengrin; Coro de peregrinos y final del Acto III de Tannhäuser 
  • Giuseppe Verdi – “Dies irae” de Messa da Requiem (fragmento) 
  • Richard Wagner – “Wach aufl” de Die Meistersinger von Nürnberg 
  • Giuseppe Verdi – “Va pensiero, sull’ali dorate” de Nabucco 
  • Richard Wagner – “Heil! König Heinrich! Heil!" de Lohengrin; Preludio del Acto III de Die Meistersinger von Nürnberg 
  • Giuseppe Verdi – “Patria oppressa” de Macbeth; “Parigi, o cara” de La traviata 
  • Richard Wagner – “O du mein holder Abendstern” de Tannhäuse 
  • Giudeppe Verdi – Preludio del Acto III de La Traviata; "Libera me" de Messa da Requiem; Preludio del Acto I de La Traviata

Vídeo-resumen del post:

video


Fuentes:

21/3/2012

Comienza MuSicalClas

Comienza una nueva aventura, la de iniciar un blog. Pero antes de empezar a describir en lo que va a consistir el blog en sí, será conveniente presentarme y explicar por qué he decidido empezar uno de esta temática.

Me llamo Marta y actualmente curso 1º del Doble Grado en Periodismo y Comunicación Audiovisual en la Universidad Carlos III de Madrid. La mayor parte de mis aficiones tienen una relación directa con estas ramas, pero hay otra que sin duda es mi favorita: la música. Tengo el título de Enseñanzas Profesionales de Piano, es decir, que básicamente llevo la música en la sangre desde aquel momento en que empecé a tocar mi instrumento con tan solo 7 añitos.

No me considero ni mucho menos una experta en el tema, pero cuando en Comunicación y Participación Ciudadana en la Red (CPCR a partir de ahora) se nos propuso la creación de un blog que tratara un tema concreto y original, pensé rápidamente en la música. Pero, ¿qué tipo de música?

La música clásica siempre me ha gustado, y mucho, y no es un tema al que la gente suela dedicar mucha atención. Por eso creía conveniente centrarme en algo novedoso, una especie de agenda cultural, de investigación sobre el mundo de este tipo de música, para que la gente se vaya uniendo a la comunidad de aquellos que simplemente la adoramos.

De esta forma, intentaré llevar al día las novedades de música clásica, conciertos, festivales, etc. También pido la colaboración de todos vosotros para que este proyecto salga adelante. Sugerencias, críticas o comentarios serán bien recibidos, todo para que la música clásica vuelva a ocupar el lugar privilegiado que tuvo no hace tantos años.

Un saludo,


Marta.